Imaginations 4-1 | Scandals of Horror

Guest Editors Elena Siemens & Andriko Lozowy

Table of Contents

Introduction: Blue Door Havana | Elena Siemens

Beautiful Junkies: Images of Degradation in Requiem for a Dream | Renée R Curry

The Valley of the Shadow of Death | Johannes Birringer

A Surreal Landscape of Devastation: An Analysis of Lee Miller’s Grim Glory Photographs of the London Blitz | Lynn Hilditch

Hard-Boiled Tabloid: Happily Low-Brow | Barb Churchill

In Search of Authenticity: Time and Space in Russian Horror Film | Volha Isakava

“We are Resilient by Force, not by Choice”: Terrifying Bombay in New Bollywood Cinema | Meheli Sen

My Last Four Minutes on Prince William Street | Adriana Onita

Horror and the Body: Understanding the Reworking of the Genre in Marina de Van’s Dans ma peau/In my Skin (2001) |  by Romain Chareyron

The Rwandan Genocide in Film, and A Sunday in Kigali: Watching with a Pierced Eye | Piet Defraeye

Artist Interview – Lighting Darkness: A Conversation with Daniela Schleuter | Andriko Lozowy & Elena Siemens

General Contribution

Contemporary Arab Music Video Clips: Between Simulating MTV’s Gender Stereotypes and Fostering New Ones | Ouidyane Elouardaoui


http://dx.doi.org/10.17742/IMAGE.scandal.4-1 | Full Issue PDF


Article Abstracts

The Valley of the Shadow of Death | Johannes Birringer

“The Valley of the Shadow of Death” is a brief meditation on the refraction of sunsets over desolated landscapes, photography of war, and the viewer’s relationship to the death of the sublime. The essay references the Museum of Fine Arts Houston exhibition “WAR/PHOTOGRAPHY: Images of Armed Conflict and Its Aftermath” (2012-13) citing one of Roger Fenton’s famous manipulated pictures from the Crimean war (1856) showing an empty landscape with cannonballs.

Horror and the Body: Understanding the Reworking of the Genre in Marina de Van’s Dans ma peau/In my Skin (2001) | Romain Chareyron

This article explores how Marina de Van’s confrontational representation of the human body, in her film Dans ma peau/In my Skin (2001), should be understood as a reinterpretation of certain major themes in the horror genre. More specifically, I examine how de Van’s mise-en-scène borrows from the genre of horror, both on a visual and a technical level, to deconstruct the meanings initially attached to the representation of the body in pain found in horror’s narratives. I argue that a close analysis of the textural properties of the image allows for a reappraisal of the onscreen presence of the wounded body, this body departing from horror’s straightforward visual regimen, to open up a space for the character’s subjectivity to emerge. I also posit that the use of the close-up on images of blood and scars, while being reminiscent of horror’s treatment of the body, becomes a vehicle for the unleashing of the character’s unmediated drives to explore her own flesh and to reach a new level of self-awareness.

Hard-Boiled Tabloid: Happily Low-Brow | Barbra Churchill

This short essay discusses American tabloid photography from the 1920s and 30s.  The essay argues tabloid images of gangsters and murder scenes by Weegee and others are free from academic restraints, and, instead, they happily remain “low-brow.”

Beautiful Junkies:  Images of Degradation in Requiem for a Dream | Renée R Curry

In Darren Aronofsky’s 2000 film, Requiem for a Dream, based on Hubert Selby Jr.’s 1978 novel, he depicts extreme close-up images of heroin as it cooks, boils, enters a vein, and then passes into the body at the cellular level.  The cells sizzle as heroin numbs them. The close-ups and sizzling sounds repeat themselves more and more frequently as our four main characters disintegrate through the process of becoming junkies. These images and others provide vivid, horrific, and exquisite visual renderings of the addiction process, while simultaneously providing stark evidence of heroin’s take-over of the body, mind, and ethical capabilities. The images of heroin’s all-encompassing control of the body at its foundational level do not glorify heroin’s power in Aronofsky’s film; these images serve as documents of pure horror. The degradation is devastating, thorough, real, and scarring.  Aronofsky describes his film as a monster movie, a modern horror film.  And, it is not the type of film in which redemption occurs.  The stark and individual solitude of each character at the end of the film cannot be easily penetrated by sobriety or love anytime in the foreseeable future.

The Rwandan Genocide in Film, and A Sunday in Kigali: Watching with a Pierced Eye | Piet Defraeye

Susan Sontag reminds us that film and photography have an extremely democratic heuristic poetics, and are quasi-universally accessible for signification, though at the same time, it almost always implies a prime target audience. The many films that have come out on the Rwandan genocide (1994) are no exception. Film has been a prime access source to this bloody event and dominates, particularly in the West, our remembrance and understanding of one of the most intense and grueling political conflicts in African history. All these films struggle with a compulsive need for structured narration, whether it is in their fable, or in the visual representation itself, while the historical events were certainly not experienced as part of a linear structure. At the same time, the films aim for historical credibility, or truthfulness, which is rendered through a variety of filmic approaches. The article discusses the fictionalization of genocide through film, and problematizes the quasi-unavoidable documentary effect of filmic iteration. Robert Favreau’s Un Dimanche à Kigali is analyzed in greater detail, as it offers specific strategies to the problem of filmic representation of genocidal violence.

Contemporary Arab Music Video Clips: Between Simulating MTV’s Gender Stereotypes and Fostering New Ones | Ouidyane Elouardaoui

MTV was the first 24-hour cable network to continuously broadcast music videos in the 1980s, thus establishing the genre. Generally, Arab music video clips differ from Western-produced music videos, because artists are compelled to abide by the conservative cultural norms of Arab societies. However, most Arab music videos, particularly those produced in the last decade, reaffirm Western gender stereotypes intrinsic to those produced by MTV. Contemporary Arab music videos for the most part simulate an MTV aesthetic vocabulary of a gaze that features female sexuality and narratives of seduction. Some new Arab producers, nonetheless, have attempted to avoid reproducing MTV-based gender clichés, but have instead created new gender misconceptions. These productions emphasize depictions of women as untrustworthy and impetuous.  Finally, I discuss how young Arab singers have constantly been confronted by the ire of regionally prominent religious figures who denounce the music videos’ endorsement of “anti-Islamic” principles. I contend that Stuart Hall and Paddy Whannel’s early analysis of reactions against popular music styles among British youth as a form of cultural transgression remains relevant to understanding the cultural style of Arab youth as expressed through popular musical performance.

A Surreal Landscape of Devastation: An Analysis of Lee Miller’s Grim Glory Photographs of the London Blitz | Lynn Hilditch

As surrealist war documents, Lee Miller’s war photographs of the London Blitz, published in Ernestine Carter’s Grim Glory: Pictures of Britain Under Fire (1941), effectively demonstrate what Susan Sontag referred to as “a beauty in ruins”. Miller’s Blitz photographs may be deemed aesthetically significant by considering her Surrealist background and by analyzing her images within the context of André Breton’s theory of “convulsive beauty”. Therefore, this essay aims to demonstrate how Miller’s photographs not only depict the chaos and destruction of Britain during the Blitz, they also expose Surrealism’s love of strange, evocative or humorous juxtapositions in the form of artistic visual representations of a temporary surreal landscape filled with fallen statues and broken typewriters.

In Search of Authenticity: Time and Space in Russian Horror Film | Volha Isakava

The paper looks into recent Russian horror films, exploring how the genre conventions associated with Hollywood are transformed and upheld in Russian cinema. The paper argues that the use of space, particularly urban venues, in horror films establishes a sense of authenticity and marks otherwise derivative generic productions as uniquely Russian. The films examined are Night and Day Watch duology (2004, 2006), Trackman (2007) and Dead Daughters (2007); all are set in contemporary Moscow.

“We are Resilient by Force, not by Choice”—Terrifying Bombay in New Bollywood Cinema | Meheli Sen

As the home of the Hindi film industry, Bombay has occupied center stage in Bollywood’s imaginary of the modern metropolis. Over the last decade, however, cinematic representations of Bombay have undergone drastic transformations: from being the terrain of gang warfare in the 80s and 90s, the cinematic city has become the primary target and habitat of global terrorism. Bollywood’s rendition of a city perpetually under siege resonates with the series of attacks that have plagued the hapless metropolis since 1993. I interrogate Bollywood’s shifting relationship with its hometown and its audiences via two landmark films—A Wednesday and Aamir (2008). I am especially interested in the dialectics of ordinariness and extraordinariness that inflect articulations of the city and its citizenry. In both films a ‘common’ individual is called upon to perform uncommon tasks in order to negotiate the space of potential devastation that is now Bombay. Spectacular performances of technologies and stylistic devices generate the cinematic city as an affective locus of dread. I pay special attention to cinematography and editing, which enable the filmic figuration of the city in these recent films.

About the Contributors

Birringer, Johannes: Johannes Birringer is a choreographer and artistic director of AlienNation Co (www.aliennationcompany.com), and professor of performance technologies at Brunel University, London. He has directed numerous multimedia theatre, dance, and digital performances in Europe, the Americas, China and Australia; collaborated on site-specific installations, and exhibited work at film and video festivals. His interactive dance installation “Suna no Onna” was performed at the Laban Centre in 2007, and his mixed reality installation “UKIYO [Moveable Worlds]” premiered in 2009 before touring Eastern Europe in 2010. He founded a laboratory (http://interaktionslabor.de) providing artist residencies for collaborative interactive and screen-based performance projects, and co-directs the DAP-Lab (http://www.brunel.ac.uk/dap), conducting research into sensor choreography, wearable computing and soft technologies. His current production, “for the time being”, is a futurist dance opera.

Chareyron, Romain: Romain Chareyron received his Ph.D. in contemporary French cinema and Francophone culture at the University of Alberta (Edmonton, Canada) in 2010. His research seeks to analyze the growing influence of the genres of horror and pornography in contemporary French mainstream cinema. His current research focuses on the cultural and aesthetic implications of the concept of “monstrosity” in contemporary French cinema. His work has already led to various presentations in Europe and North America as well as publications in international reviews. He currently holds a Senior lecturer position in the French and Italian department, at the University of Kansas.

Churchill, Barbra: Barbra Churchill teaches in Comparative literature Program, University of Alberta. Her research interests include Popular Fiction & Culture (esp. the Popular Romance); Literature & the Visual Arts (esp early 20th century modernist/avant garde).

Curry, Renée R.: Renee R. Curry is Professor of Literature and former Dean of the College of Arts, Humanities, and Social Sciences at California State University Monterey Bay. She has published numerous scholarly articles and books on literature and film throughout her twenty-three year career as a scholar. Most recently, she has been researching the films of directors, Darren Aronofsky and Woody Allen.

Defraeye, Piet: Piet Defraeye is a drama theorist, critic and director, who taught and directed in Belgium, Toronto, and Fredericton (N.B.) and at the University of Alberta (Edmonton). He has published on Irish and Quebec Theatre, German contemporary performance, film/opera and theatre, and gender/queer theory and Reception Theory. He has embarked on a large research project that focuses on the iteration of genocide in Cultural Discourse with a special focus on Rwanda. His most recent creation is linked to his research on genocidal representation with his theatrical adaptation of Raymond Federman’s The Voice in the Closet (2012).

Elouardaoui, Ouidyane: Ouidyane Elouardaoui is a Fulbright PhD candidate (ABD) in the film and media department at the University of California, Santa Barbara. Her current research interests include contemporary Arab media, melodrama and spectatorship. Her publications that include “Mexican Telenovelas in Morocco: The Localization Process and its Limitations” and “Arabs in Post 9/11 Hollywood Films: A Move toward a more Realistic Depiction?” appear in the international journal of Amity School of Communication, 2011 and in Purdue University e-Pubs, 2011.

Hilditch, Lynn: Lynn Hilditch has a Ph.D from the University of Liverpool and has lectured on various aspects of the visual arts and culture, including film history and theory, photography and modernism, photojournalism, and aesthetics. Her research interests include the depiction of war and destruction in art and photography, representations of the Holocaust in the visual arts, and the socio-historical representation of gender in twentieth-century popular culture. Lynn’s doctoral research focused specifically on the Second World War photography of the American Surrealist and war correspondent Lee Miller and explored how Miller’s war photographs may be analyzed as examples of ‘surreal documentary.’ Lynn has published work on various aspects of visual culture including book articles on Lee Miller’s war photography, aesthetics and war, surrealism and photography, memory and memorialization, and ‘fan culture’ relating to the public persona of Audrey Hepburn. Lynn is a member of the Desmond Tutu Centre for War and Peace Studies at Liverpool Hope University.

Isakava, Volha: Volha Isakava is a Replacement Assistant Professor of Russian at the University of Ottawa, Canada. Her research interests include contemporary Russian and post-Soviet cinema and culture, transnational cinema and the critical junction of cinema and history. She recently graduated from the University of Alberta where she wrote her doctoral thesis about the cinema of perestroika and how its historic transition has been reflected in Russia’s arguably bleakest cinematic trend – “black films” or chernukha.

Lozowy, Andriko: Andriko Lozowy (PhD University of Alberta) is a photographer-researcher based in Canada. Andriko is currently working to develop practice based approaches to collaborative and visual methods. Andriko’s current focus is on building connections between Northern and remote First Nations and Metis communities in Canada.

Onita, Adriana: Adriana Onita was born in Bucharest, Romania and has an honours degree in Romance Languages. She is currently pursuing her graduate studies in Spanish at the University of Alberta while working at the Art Gallery of Alberta as a bilingual educator. As a poet, Adriana has studied under Bert Almon, Shawna Lemay and Derek Walcott, both in Edmonton and in St. Lucia.

Schlüter, Daniela: Daniela Schlüter grew up on a farm in Südlohn, Germany. Following her studies in Printmaking, Illustration and Design at the Ruhrakademie Schwerte and at the Fachhochschule Münster, Germany, she took her MFA in Print Media at Concordia University, Montreal, Canada in 2004 under the DAAD and Graduate Fellowship scheme. In 2003 and 2004 she won besides others the HEXAGRAM prize of the Institute for Research/Creation in Media Arts and Technologies and a Scholarship from the Aldegrever Gesellschaft Münster. Her work consists of intaglio prints, mixed media on paper, video and artist books and was shown in solo and group exhibitions and biennials in the United States, Canada, Europe and the Middle East. In her work is the experience of the present world of fragmentation, the boundary between the fragmentation of the individual and the fragmentation of social experience, which has all but disappeared. Her work is a meditation that takes its departure from symbolic traditions. The symbol of the human genome is an expression of human experience of hope and fear. Most of the images are committed to understanding the lived realities of biotechnologies and life itself, offering new ways of thinking about them, and inviting a viewer to interact with them, by looking and discovering the different strands of narratives. Daniela Schlüter previously lived and worked in New York and taught as Assistant Professor at Felician College in NJ, and is now Assistant Professor for Printmaking at the University of Alberta in Edmonton, Canada and teaches courses at the Druckvereinigung Bentlage, Germany.

Sen, Meheli: Meheli Sen is Assistant Professor in the Department of African, Middle Eastern, and South Asian Languages and Literatures (AMESALL) and the Cinema Studies program at Rutgers University. Her primary research area is post-independence popular Hindi cinema, commonly referred to as ‘Bollywood’. She is especially interested in how the filmic registers of genre, gender and sexuality negotiate specific moments in India’s troubled encounters with modernity and more recently, globalization. Sen’s work has been published in journals such as The Journal of the Moving Image and South Asian Review, as well as in the edited anthology Bollywood and Globalization: Indian Popular Cinema, Nation, and Diaspora. She is co-editing an anthology titled Figurations in Indian Film, forthcoming from Palgrave-Macmillan. Her current research engages ‘B’ genres, particularly horror, in the larger rubric of the Bollywood system.

Siemens, Elena: Elena Siemens is Associate Professor in the Department of Modern Languages and Cultural Studies, University of Alberta. She is the author of Theatre in Passing: A Moscow Photo-Diary (Intellect 2011), and editor of two forthcoming collections of essays, The Dark Spectacle: Landscapes of Devastation in Film and Photography (Space and Culture), and Scandals of Horror (Imaginations).

Résumés des articles

The Valley of the Shadow of Death | Johannes Birringer

Cet article est une méditation brève autour de la réfraction des couchers de soleil sur des terres désolées, de la photographie de guerre, et le rapport spectatoriel à la mort du sublime. S’y trouve une référence à l’exposition « WAR/PHOTOGRAPHY: Images of Armed Conflict and Its Aftermath » (2012-2013, Museum of Fine Arts Huston) qui cite une des photographies manipulées célèbres de Roger Fenton sur la Guerre de Crimée (1856), illustrant un paysage vide avec des boulets de canons.

Horror and the Body: Understanding the Reworking of the Genre in Marina de Van’s Dans ma peau/In my Skin (2001) | Romain Chareyron

Cet article propose de considérer la représentation confrontante du corps humain par Marina de Van dans son film « Dans ma peau » (2001) comme une réinterprétation de certains thèmes centraux au genre de l’horreur. Plus concrètement, on montre que Van emprunte au genre de l’horreur sur les plans visuel et technique afin de déconstruire les significations liées à la représentation du corps souffrant dans le récit d’horreur. On soutient qu’une analyse approfondie des caractéristiques relatives à la texture de l’image permet une réévaluation de la présence sur l’écran du corps blessé, à partir du régime visuel de base du récit d’horreur. Cette réévaluation crée un espace où la subjectivité du personnage peut apparaître. La représentation en gros plan du sang et des cicatrices rappelle le traitement du corps dans le cadre du genre de l’horreur. On suggère ultimement que cette représentation devient un instrument pour que le personnage qui déchaîne un désir spontané d’exploration de sa propre chair afin d’atteindre une plus haute conscience de soi.

Hard-Boiled Tabloid: Happily Low-Brow | Barbra Churchill

Beautiful Junkies: Images of Degradation in Requiem for a Dream | Renée R Curry

Dans son film « Requiem for a Dream » en 2000, un film basé sur un roman de Hubert Selby Jr. de 1978, Darren Aronofsky a montré, en très gros plan, des images d’héroïne cuisant et bouillant, puis entrant dans les veines et progressant dans le corps au niveau cellulaire. Les cellules grésillent à cause de l’héroïne qui les engourdit. Ce processus se répète de plus en plus souvent suivant le processus de désintégration des quatre personnages principaux qui deviennent des junkies. Ces images fournissent un récit visuel vif, raffiné mais terrifiant, de la dépendance, et démontrent la conquête du corps, de l’esprit et des capacités éthiques par l’héroïne. Ces images agissent comme preuves que l’horreur pure existe. La dégradation est dévastatrice, profonde, réelle, et elle laisse des traces. Aronofsky décrit son film comme un « monster movie », un film d’horreur moderne dans lequel il n’y a pas de rédemption. La solitude extrême de chaque personnage à la fin du film ne sera pas facilement vaincue ni par sobriété, ni par l’amour.

The Rwandan Genocide in Film, and A Sunday in Kigali: Watching with a Pierced Eye | Piet Defraeye

Susan Sontag nous rappelle que le cinéma et la photographie ont un poétique démocratique et heuristique qui rend leur signification universellement accessible, tout en désignant presque toujours un public cible. Les nombreux films sur le génocide rwandais (1994) ne font pas exception. Le cinéma a été une source primordiale d’accès à cet événement sanglant, et il domine, surtout en Occident, le souvenir et la compréhension de ce conflit politique qui a marqué l’histoire de l’Afrique. Tous ces films démontrent un besoin compulsif de donner une structure au récit, qu’elle soit dans la narration ou dans la représentation visuelle, et cela bien que les événements historiques ne surgissent pas selon une structure linéaire. De plus, ces films vissent une crédibilité ou une sincérité historique accomplie moyennant une variété des techniques cinématographiques. Cet article évalue la mise en fiction du génocide a travers le cinéma et questionne le quasi-inévitable effet-documentaire que produit son itération filmique. On y analyse « Un dimanche à Kigali » de Robert Favreau pour mettre en évidence ses stratégies d’investigation de la représentation cinématographique de la violence génocidaire.

Contemporary Arab Music Video Clips: Between Simulating MTV’s Gender Stereotypes and Fostering New Ones | Ouidyane Elouardaoui

MTV est la première chaîne de télévision à diffuser en permanence des clips musicaux 24/24 dans les années 80, établissant ainsi le genre. Généralement, les clips musicaux arabes diffèrent des clips occidentaux parce que les artistes se sentent obligés de respecter les normes culturelles conservatives des sociétés arabes. Néanmoins, la plupart des clips musicaux arabes, surtout ceux produits dans la dernière décennie, réaffirment les stéréotypes occidentaux du sexe hérités de ceux produits par MTV. En général, les clips musicaux arabes contemporains imitent le vocabulaire esthétique de MTV en lien avec la sexualité féminine et l’art de séduction. Certains nouveaux réalisateurs ont essayé d’éviter les clichés sur le sexe crées par MTV, mais ils ont créé des idées falsifiées à leur place, à savoir, des représentations où la femme est impérieuse et n’est pas digne de confiance. Cet article montre que les artistes arabes doivent sans cesse défier les personnalités religieuses locales dénonçant l’approbation des principes « anti-islamiques » qu’ils voient dans ces clips musicaux. On emploie ici les stratégies d’analyse de Stuart Hall et de Paddy Whannel, développées l’origine pour démontrer que la musique populaire est une forme de transgression culturelle de la jeunesse britannique. Ces stratégies se avèrent fort utiles afin de comprendre le style culturel de la jeunesse arabe exprimé dans la musique populaire.

A Surreal Landscape of Devastation: An Analysis of Lee Miller’s Grim Glory Photographs of the London Blitz | Lynn Hilditch

En tant que documents de guerre surréalistes, les photographies du Blitz de Londres par Lee Miller démontrent ce que Susan Sontang a appelé « la beauté en ruines ». Ernestine Carter a publié ces photographies dans « Grim Glory: Pictures of Britain Under Fire » (1941). Elles ont une importance esthétique en vertu de leur contexte lié aux surréalistes, et dans la possibilité de les analyser en regard de la théorie d’André Breton sur « la beauté convulsive ». Cet article propose que les photographies de Miller non seulement représentent le désordre et la destruction de la Grande-Bretagne pendant le Blitz, mais qu’elles exposent aussi l’affection des surréalistes pour les juxtapositions étranges, évocateurs et humoristiques des représentations visuelles artistiques d’un paysage plein des statues effondrées et des machines à écrire cassée.

In Search of Authenticity: Time and Space in Russian Horror Film | Volha Isakava

Cet article est une investigation des récents films d’horreur qui cherche montrer la façon selon laquelle les conventions hollywoodiennes ont été à la fois transformées et maintenues dans le cinéma russe. On y propose que l’emploi de l’espace (surtout les lieus urbains) dans les films d’horreur établit une authenticité et confère à productions autrement considérées génériques et non originale son caractère spécifiquement russes. Les films étudiés sont les deux « Night and Day Watch » (2004, 2006), « Trackman » (2007), et « Dead Daughters » (2007) : tous ont été tournés dans le Moscou contemporain.

“We are Resilient by Force, not by Choice”—Terrifying Bombay in New Bollywood Cinema | Meheli Sen

Bombay, le centre du cinéma Hindi, a toujours servi d’image de la métropole moderne dans l’imaginaire de Bollywood. Néanmoins, au cours de la dernière décennie, la représentation cinématographique de Bombay a subi des transformations drastiques : la ville antérieurement connue pour ses guerres entre bandes dans les années 80 et 90 est maintenant un lieu et une cible important du terrorisme global. Le portrait d’une ville assiégée correspond à une série d’attaques qui ont hanté la métropole malchanceuse depuis 1993. Cet article propose d’analyser le rapport fluctuant entre Bollywood et sa ville originelle à travers deux films marquants « A Wednesday » et « Amir » (2008). L’accent est mis sur la dialectique ente l’ordinaire et l’extraordinaire qui module les articulations de la ville et des citoyens. Dans les deux films un homme ordinaire est convoqué à exécuter des taches hors du commun afin de négocier sa position dans l’espace de dévastation potentielle qu’est désormais Bombay. Les performances spectaculaires de la technologie et des appareils stylistiques font de cette ville cinématographique un lieu affectif de la peur. L’article se concentre sur les stratégies cinématographiques et de montage qui dominent la mise en scène de la ville dans ces films.

À propos des contributeurs

Birringer, Johannes : Johannes Birringer est chorégraphe et directeur artistique de AlienNation Co. (www.aliennationcompany.com), ainsi que professeur de technologies de la performance à l’université Brunel à Londres. Il a mis en scène diverses performances de théâtre multimédia, de danse, et de représentation numérique en Europe, dans les Amériques, en Chine in situ, et exposé ses œuvres dans des festivals de film et de vidéo. Il a fait jouer son installation de danse interactive intitulée « Suna no Onna » au Laban Centre en 2007, puis, en 2009, son installation de réalité mixte « UKIYO [Moveable Worlds] » y a débuté avant d’entamer une tournée d’Europe de l’Est en 2010. Il a également fondé un atelier de projets de collaborations interactives et de représentation sur l’écran pour les artistes débutants (http://interaktionslabor.de). Actuellement, il codirige le DAP-Lab où se font des recherches en chorégraphie en capture de mouvement, et dans le développement de dispositifs électroniques intégrés aux vêtements. Sa plus récente mise-en-scène, intitulée « for the time being », est un opéra de danse futuriste.

Chareyron, Romain : Romain Chareyron a obtenu son doctorat en cinéma français contemporain à l’Université de l’Alberta (Edmonton, Canada) en 2010. Sa recherche a pour but d’analyser l’influence grandissante des genres pornographique et horrifique dans le cinéma populaire contemporain. Sa recherche actuelle porte sur le concept du “monstrueux” dans le cinéma français contemporain. Ses travaux ont donné lieu diverses présentations en Europe et en Amérique du Nord, ainsi qu’à des publications dans des diverses revues internationales. Il enseigne actuellement à l’Université du Kansas.

Churchill, Barbra : Barbara Churchill enseigne dans le cadre du programme de littérature comparée à l’Université de l’Alberta. Ses intérêts de recherche incluent la fiction et la culture populaire (principalement les histoire d’amour populaires), la littérature et les arts visuels (principalement l’art moderniste/avant-gardiste du début du 20ème siècle).

Curry, Renée R. : Renee R. Curry est professeur de littérature à l’Université d’État de Californie Monterey Bay où elle a occupé le poste de doyen de l’école des Beaux-Arts, les humanités et sciences sociales. Elle a publié plusieurs articles et livres sur la littérature et le cinéma pendant ses vingt-trois ans de carrière de chercheur. Ces derniers temps, ses recherches se sont orientées vers les réalisateurs Darren Aronofsky et Woody Allen.

Defraeye, Piet : Piet Defraeye est théoricien du théâtre, critique, et metteur en scène. Il a enseigné en Belgique, à Toronto, à Fredericton (N.B), et à Edmonton (à l’Université de l’Alberta). Il a publié sur les théâtres irlandais et québécois, sur la performance, l’opéra, le cinéma et le théâtre allemands contemporains, de même que sur la théorie queer et la théorie de la réception. Il a entrepris un projet de grande envergure sur l’itération du génocide dans le Discours Culturel avec une concentration sur le Rwanda. Sa plus récente création en fait partie : une adaptation de The voice in the Closet de Raymond Federman (2012).

Elouardaoui, Ouidyane : Ouidyane Elouardaoui est doctorante Fulbright dans le département d’études du cinéma et des médias à l’Université de Californie à Santa Barbara. Elle mène des recherches sur les médias, le mélodrame et les publics arabes contemporains. Ses publications « Morocco : The Localization Process and its Limitations » et « Arabs in Post 9/11 Hollywood Films : A Move toward a more Realistic Depiction ? », ont paru dans le journal international de Amity School of Communication et dans les e-Pubs de l’Université Purdue en 2011.

Hilditch, Lynn : Lynn Hilditch est titulaire d’un doctorat de l’Université de Liverpool. Elle a enseigné et donné des conférences sur les divers aspects des arts et de la culture visuels, y compris l’histoire et la théorie du cinéma, la photographie et le modernisme, le photojournalisme, et l’esthétique. Ses intérêts en matière de recherche sont les représentations de la guerre et de la destruction dans les arts plastiques et la photographie, ainsi que la représentation de l’Holocauste dans les arts visuels. De plus, elle s’intéresse à la représentation de sexes dans la culture du 20ème siècle. Dans sa thèse, elle s’est concentrée sur la photographie surréaliste de Lee Miller, une correspondante américaine pendant la Deuxième Guerre Mondiale, et particulièrement sur la possibilité d’analyser ces photographies en tant qu’exemples de « documentaires surréalistes ». Elle a publié sur divers aspects de la culture visuelle, y compris l’esthétique et la guerre, le surréalisme et la photographie, le souvenir et la commémoration, et la « fan culture » liée à l’image publique d’Audrey Hepburn. Elle est membre du Desmond Tutu Centre for War and Peace Studies à l’Université de Liverpool Hope.

Isakava, Volha : Volha Isakava enseigne à l’Université d’Ottawa comme professeure adjointe. Ses recherches portent sur la culture et le cinéma post-soviétique, sur la contemporanéité russe, sur le cinéma transnational, et sur la coalition critique entre le cinéma et l’histoire. Elle a obtenu son doctorat de l’Université de L’Alberta avec une thèse sur le cinéma de la perestroïka, qui se concentre sur la réverbération de cette transition historique dans les « chernukha », parfois considérés comme les plus sombres films de la Russie.

Lozowy, Andriko : Andriko Lozowy (PhD University of Alberta) est un chercheur et photographe basé au Canada. Ils s’intéresse aux mode de vie liés au pétrole, à la recherche collaborative, aux méthodes d’investigation visuelles, et aux sphères post-disciplinaires.

Onita, Adriana : Adriana Onita est née en Bucarest en Roumanie. Elle est titulaire d’un baccalauréat en langues romanes avec mention de l’Université de l’Alberta où elle fait actuellement sa maîtrise en espagnol actuellement. Elle occupe en même temps un poste d’éducatrice bilingue à la Art Gallery of Alberta. Elle a étudié la poésie sous la direction de Bert Almon, Shawna Lemay et Derek Walcott à Edmonton et à St. Lucia.

Schlüter, Daniela : Daniela Schlüter a été élevée à la campagne à Südlohn en Allemagne. Après ses études à la Ruhrakademie Schwerte et à la Fachhochschule Münster dans le département de Printmaking, Illustration and Design, elle a obtenu une maîtrise en Beaux-Arts de l’université Concordia en Montréal en 2004, dans le cadre du programme DAAD. Entre 2003 et 2004 elle a remporté, le prix HEXAGRAM de l’Institute for Research/Creation in Media Arts and Technologies, ainsi qu’une bourse de Aldegrever Gesellschaft Münster . Ses travaux comprennent des impressions en taille-douce, des médias mixtes sur papier, de la vidéo et des livres d’artistes. Elle a exposé en solo et en groupe dans le cadre d’événements ponctuels ou biennales aux États Unis, au Canada, et au Moyen-Orient. Dans son œuvre, on trouve l’expérience du monde actuel en fragmentation : la fragmentation individuelle et celle de l’expérience sociale, la limite entre celles-ci étant sur le point de disparaître. Son œuvre est une méditation qui a son origine dans la tradition symbolique et qui propose notamment que le symbole du génome humain est une expression de l’espoir et de la peur. La plupart des images y ont pour but de faire comprendre les réalités vécues de la biotechnologie et de la vie-même : elles offrent de nouvelles perspectives qui invitent le spectateur à interagir avec elles en découvrant divers possibilités de récit. L’artiste veut inviter le spectateur à entrer et de à sortir de son œuvre, de l’encourager à interagir avec des images, des symboles mythologiques, et des allusions philosophiques. Daniela Schlüter a vécu à New York, alors qu’elle était professeure adjointe au College Felician dans le New Jersey. Actuellement, elle est professeure adjointe de gravures à l’Université de l’Alberta à Edmonton au Canada. Elle donne également des cours à Druckvereinigung Bentlage, en Allemagne.

Sen, Meheli : Meheli Sen est professeure adjointe dans le département des langues et littératures de l’Afrique, du Moyen-Orient et de l’Asie du Sud (AMESALL), ainsi que dans le département d’études cinématographique à l’Université Rutgers. Son domaine de recherche principal est le cinéma populaire hindi de l’après-Independence, qu’on appelle habitualement « Bollywwod ». Elle s’intéresse à la manière dont la représentation du genre, du sexe et de la sexualité dans le cinéma permet de négocier des moments particuliers du rencontre difficile de l’Inde avec la modernité et la globalisation. Sen a publié dans « The Journal of the Moving Image » et « South Asian review ». Elle a également édité l’anthologie Bollywood and Globalization : Indian Popular Cinema, Nation and Diaspora. Elle collabore actuellement à la révision d’une anthologie intitulée Figurations in Indian Film, à paraître chez Palgrave-Macmillan, et elle mène des recherches sur les genres « B », surtout l’horreur, dans le système Bollywood.

Siemens, Elena : Elena Siemens est professeure agrégée dans le département des langues moderne et d’études culturelles de l’Université de l’Alberta. Elle est auteure de Theatre in Passing: A Moscow Photo-Diary (Intellect 2011), et coéditrice d’un dossier à paraître : The Dark Spectacle: Landscapes of Devastation in Film and Photography (Space and Culture), et Scandals of Horror (Imaginations).