Imaginations 1-1 | Inaugural Issue | Table of Contents


Introduction & Acknowledgments

After Imagining/Après l’imaginer |Managing editors: William Anselmi, Daniel Laforest, Andriko Lozowy, Dalbir Sehmby, Carrie Smith-Prei, and Sheena Wilson

Acknowledgements

Invited Artist Portfolio and Interview

Moving Image Artist Midi Onodera’s “Vidoodles”: Animal Crossing Underground, Blame Warhol, If Wishes Came True | Midi Onodera

Dialoguing on Miniature Cinema as New Art | Sheena Wilson with Midi Onodera

Images as Crossing Boundaries

Cross-border Visualities and the Canadian Image | Will Straw

Soundless Speech | Wordless Writing: Language and German Silent Cinema | Marc Silberman

Image as Theory

The Vanished Child. An inquiry into Figures and their Modes of Apparition | Bertrand Gervais

On the Undecidability of Images (in communication) | Fabrizio Scrivano

Image as Sound

Images of a Sound: Portraits and Pictures of Jazz | Davide Sparti

Comparative Book Review Essay

Publish and Anguish: Reconsidering the Never-Ending Crisis of the Humanities | Russell Cobb


http://dx.doi.org/10.17742/IMAGE.inaugural.1-1 | Full Issue PDF


Issue Abstracts

Guest Artist and Interview

Midi Onodera | Sheena Wilson

Midi Onodera is a well-recognized Canadian filmmaker with more than thirty years of filmmaking experience. She has had screenings internationally at such prestigious venues as the Andy Warhol Museum, the International Festival of Documentary and Short Films, Bilbao, Spain, the Rotterdam International Film Festival, the Berlin International Film Festival, the National Gallery of Canada, and the Toronto International Film Festival. Her first film, a seven-minute short film entitled Reality-Illusion that she shot on Super Eight, appeared in 1979, while she was still in high school. She now has twenty-four films, two television-writing credits, two commissioned artist profiles, two feature length works, two interactive DVDs, 434 short videos, and a total of 467 films and videos to her name. As an acknowledgement of Midi Onodera’s long and productive career as a Canadian artist and filmmaker who has consistently demonstrated critical engagement with her subjects and her chosen media, we have invited her to be the guest artist-filmmaker for the inaugural issue of Imaginations: Journal of Cross-Cultural Image Studies.  In this dialogue-interview, she provides insight into the Vidoodles (video shorts) she created for this issue of the journal, and she discusses a number of related issues including various transformations that have taken place in technology and how that has impacted her creative production and her relationship with various media over the span of her career.

Midi Onodera est une cinéaste canadienne reconnue cumulant plus de trente ans d’expérience. Ses œuvres ont été présentées dans des contextes internationaux prestigieux tels que le Andy Warhol Museum, le Festival international du documentaire et du court-métrage de Bilbao, le Festival international du film de Rotterdam, le Festival international du film de Berlin, Le Musée des beaux-Arts du Canada, et le Festival international du film de Toronto. Son premier film est un court-métrage de sept minutes intitulé Reality-Illusion ; tourné en format super 8, il a été présenté en 1979, alors qu’elle était encore étudiante à l’école secondaire. Elle a désormais à son actif vingt-quatre films, deux scripts pour la télévision, deux rétrospectives commanditées, deux long-métrages, deux DVD interactifs, 434 courts-métrages. Elle totalise 467 films et vidéos à son nom. En reconnaissance de la longue et fructueuse carrière de Midi Onodera comme artiste et réalisatrice canadienne ayant déployé une vision critique constante et originale sur le monde, Nous avons le plaisir de l’accueillir en tant qu’artiste invitée pour le numéro inaugural d’Imaginations : Revue d’Études Interculturelles de l’image. Dans ce dialogue-interview, Midi Onodera offre sa propre perspective sur les Vidoodles (courts-métrages vidéos) qu’elle a réalisés spécialement pour la revue. Elle s’intéresse également à un certain nombre de questions importantes liées à ceux-ci, incluant les mutations des supports technologiques et l’impact qu’elles ont produit sur son processus créatif et sur ses méthodes de travail tout au long de sa carrière.

Cross-border Visualities and the Canadian Image

Will Straw

This article examines a number of images (photographs, film extracts, paintings) which stage particular relationships between Canada and the United States.  A recurrent feature of Canadian images is the co-presence within them of elements which are recognizably from both Canada and the United States.   Analyzing several images marked by this co-presence, the article explores the various ways in which the proximity of Canadian and non-Canadian elements may be seen to express broader cultural or social-political relationships between two national entities.

Cet article examine plusieurs images (photographies, extraits de films, tableaux) qui présentent des relations bien définies entre le Canada et les États-Unis. Une particularité récurrente dans les images canadiennes est la coprésence à l’intérieur d’elles d’éléments provenant manifestement des États-Unis ainsi que du Canada. En analysant plusieurs images marquées de cette coprésence, l’article explore les manières variées dont la proximité d’éléments canadiens et non-canadiens peut exprimer des relations plus vastes sur le plan culturel ou socio-politique entre deux nations.

Soundless Speech / Wordless Writing: Language and German Silent Cinema

Marc Silberman

If language loses its communicative and interpretative functions in direct proportion to the loss of its referential grounding, then the modernist crisis is simultaneously a crisis of its signifying practices. This means that the evolution of the silent cinema is a particularly rich site to examine the problematic relationship of language and image. This essay presents several expressionist films as a specific response to this crisis in order to describe the diverse cinematic forms of resistance to the word, to articulated speech. While some film makers developed the silence of the silent film into a “gestural language” that dramatized light and movement, others reproduced the film figures’ silent speech by means of graphically stylized intertitles. My thesis is that the expressionist cinema maintained an idealistic notion of the film as a pure work of art that aimed at a unified composition of all elements and missed the opportunity to explore the rich semiotic possibilities of the new technological medium with its hybrid, synergetic forms and provocative force. Hence, the expressionist cinema marks a transition or even the endpoint of a long process of reflection about the communicative possibilities of language that shifted to a fundamentally new level with the invention of sound cinema at the end of the 1920s.

Le langage, dit-on, perd de ses functions communicatrices et interpretatives en proportion directe à la perte de sa force référentielle. On dira que la crise moderniste est également une crise des pratiques signifiantes. Ce qui revient à dire aussi que l’évolution du cinéma muet serait une site particulièrement riche pour examiner les problématiques du langage vs. l’image. Cet essai présente quelques films expressionnistes comme réactions à la crise du langage, pour mieux circonscrire les diverses formes cinématiques de résistance au mot, à la parole claire. Chez certains cinéastes, le silence du film muet se traduit en “langage gestuel” qui dramatise lumière et mouvement. D’autres reproduisent les paroles silencieuses par le moyen d’intertitres graphiquement stylisés. On pourrait dire que le cinéma expressionniste, en promuant une notion idéaliste de l’art pur qui viserait à une composition unifiée, aura manqué une occasion rare d’explorer toutes les potentialités sémiotiques offertes par le nouveau médium technique et ses formes hybrides et synergétiques, voire par sa capacité de provocation. Ainsi, le cinéma expressionniste marquerait un moment de transition ou même le point final à un long processus de réflexion quant aux capacités communicatrices du langage. La pensée se porte désormais sur les conditions nouvellement présentées par l’invention du son à la fin des années 1920.

The Vanished Child. An inquiry into Figures and their Modes of Apparition

Bertrand Gervais

Sophie Calle’s texts are elaborate devices that facilitate the production of figures, of complex symbolic entities. In fact, her work enables us to better understand how figures emerge and unfold in the imaginary. Thus, we find in her Disparitions (Disappearances), a startling figure, which we can name the “Vanished Child”. I will present this figure and explain how it stems from the description of a painting by Rembrandt, stolen at the Gardner Museum in Boston. I will start by identifying some of the essential processes implied in the identification of a figure, and, to do so, I will give two short examples, drawn from Witold Gombrowicz and Don DeLillo. Then, after having described in details the figure of the Vanished Child, I will argue, following the French art historian Georges Didi-Huberman in his reading of Walter Benjamin, that figures are auratic objects.

Dans ses textes, Sophie Calle emploie des techniques détaillées qui facilitent la production de figures, d’entités symboliques complexes. Son œuvre nous permet effectivement de mieux comprendre comment les figures émergent et se déploient dans l’imaginaire. Ainsi, nous trouvons dans ses Disparitions(Disappearances) une figure surprenante que nous pouvons désigner comme « l’enfant disparu ». Je présenterai cette figure en expliquant comment elle découle de la description d’un tableau de Rembrandt volé au musée Gardner à Boston. J’identifierai d’abord quelques-uns des procédés essentiels à l’identification d’une figure, et pour ce faire je donnerai deux exemples, tirés des œuvres de Witold Gombrowicz et Don DeLillo. Puis je décrirai de façon détaillée la figure de l’enfant disparu, avant de démontrer le caractère auratique des figures à partir de la lecture de Walter Benjamin qu’exécute l’historien de l’art français Georges Didi-Huberman.

On the Undecidability of Images in Communication.

Fabrizio Scrivano [trans. Lise Hogan]

We often attach a certain evidence to the image, while at the same time we attribute a function to such evidence that, in many cases, the image does not possess. What is extremely problematic is when the image is used in communication, when it happens that we find ourselves in a situation of stalemate before the image. Indeed, in order to be understood, the image in many cases requires aknowledge that it itself does not display, a competence that the image itself does not indicate. Perceiving the object-image and perceiving the meaning-image are often actions that do not coincide and that suggest a residue of information which can be associated with the permanency of a secret dimension of the image. This article seeks to focus on this theoretical question through the analysis of a few concrete examples.

On attribue souvent à l’image une évidence, tout en assignant à cette évidence une fonction que d’ailleurs elle ne possède pas. Ce fait est extrêmement problématique lorsque l’image est utilisée dans la communication, lorsqu’il arrive que devant l’image nous nous trouvons dans une situation d’impasse à l’essai. En effet, l’image, pour être comprise, dans de nombreux cas nécessite une connaissance qu’elle-même ne montre pas, une compétence que l’image ne suggère pas. Percevoir l’image-objet et percevoir  le sens-image souvent ne sont pas des actions identiques qui présupposent un résidu d’information qui peut être associé à la permanence d’une dimension secrète de l’image. Cet article vise à se concentrer sur cette question théorique à travers l’analyse de quelques exemples concrets.

Images of a sound. Portraits and Pictures of Jazz.

Davide Sparti [trans. Lise Hogan]

It has always been maintained that jazz reflects the social and urban changes of its times, but little attention has been given to the reversed statement, or rather, that twentieth-century culture reflects jazz, reacting and responding to its presence, and re-elaborating its sounds in visual (as well as textual and choreographic) forms. This paper, inspired by an exhibition of jazz album covers, examines the interplay between jazz and the visual arts. Notwithstanding the significant link between image and sound at the referential level of the content (album covers represent a mirror of the era and of its political changes), it is primarily the relationship established through the notion of process, action or operation that is crucial. We live in a videocentric age that greatly emphasizes the defined and completed object, and that has sanctioned the existence of a place for its worship: the museum. But an (improvised) performance is above all an action, the action of generating music during the course of a performance. By focusing on the final product of a performance, we risk losing sight of the “phenomenon”: the emergence, sound after sound, of a musical sense.  For many painters, precisely because they can take their time deciding what to “express”, the process recedes to the background and what becomes relevant (also for the evaluation of the artwork) is what they produce. Yet, dating from the Surrealists and from Pollock, many visual arts exhibitors have been inspired by jazz and have placed the notion of process at the centre of their artistic practice.

On a toujours affirmé que le jazz reflète le changement social et urbain de l’époque, mais peu d’attention a été payé à la déclaration inverse, c’est-à-dire, que la culture du XXe siècle reflète le jazz, elle réagit et répond à sa présence, elle réélabore ses sons en formes visuelles (et aussi chorégraphiques et textuelles). Cet écrit présente une étude de l’interaction entre le jazz et les arts visuels, inspiré d’une exposition de pochettes de disques jazz. Au-delà d’un lien déjà assez important entre les images et les sons sur le plan référentiel du contenu (les pochettes de disques représentent un miroir de l’époque et de ses changements politiques), c’est essentiellement le rapport réglé sur le concept de processus, d’action ou d’opération qui est d’importance cruciale. Nous vivons dans un âge vidéocentrique qui accorde une grande importance à l’objet réalisé et défini, et qui a établi l’existence d’un lieu pour son culte: le musée. Cependant, une performance (impromptue) est avant tout une action, l’action de créer de la musique au cours d’une performance.  En mettant l’accent sur le produit effectué à la fin de l’exercice, nous risquons de perdre de vue “le phénomène”: l’émergence, son après son, d’un sens musical. Dans le cas de beaucoup de peintres, et précisément parce qu’ils ont tout le temps qu’il faut pour décider quoi “exprimer”, le processus recule à l’arrièrre-plan et ce qui est pertinent (aussi pour l’évaluation), c’est ce qu’ils produisent. Pourtant, à partir des Surréalistes et de Pollock, de nombreux exposants des arts visuels ont étés inspirés par le jazz et ceux-ci ont placé le concept de processus au centre de leur pratique artistique.

Publish and Anguish: Reconsidering the Never Ending Crisis of the Humanities

Russell Cobb

This article reviews three books (Michael Bérubé. The Left at War. New York: New York University Press, 2009; Stanley Fish. Save the World on Your Own Time. Oxford: Oxford University Press, 2008; Louis Menand, The Marketplace of Ideas: Reform and Reaction in the American University. New York: W.W. Norton, 2010) in the larger context of the decline in funding and enrollment numbers in humanities departments. The article explores various responses to the crisis in the humanities in North America and ultimately agrees with Menand that reforms must be taken to make the humanities more relevant to fields outside the academy. The author disagrees with Fish that it is advisable or even possible to separate academic work from politics and also disagrees with Menand that the radical Left, or “Manichean” Left, represents a substantial problem in mainstream academic culture.

Cet article examine trois ouvrages récents (The Left at War par Michael Bérubé, New York: New York University Press, 2009; Save the World on Your Own Time, par Stanley Fish, Oxford: Oxford University Press, 2008; The Marketplace of Ideas: Reform and Reaction in the American University par Louis Menand, New York: W.W. Norton, 2010) dans la perspective du déclin du financement et des inscriptions au sein des départements de sciences humaines. L’auteur y passe en revue un certain nombre de positions adoptées jusqu’ici face à cette crise du point de vue nord-américain, pour finalement se ranger aux arguments de Menand selon lesquels une réforme est nécessaire en vue de rendre les sciences humaines plus compatibles avec des domaines extérieurs au monde académique. L’article s’oppose toutefois à Menand sur la prétendue nature problématique d’une intelligentsia radicale de gauche dans les universités, et prend le contrepied des propos de Fish quant au besoin de séparer la recherche fondamentale de la sphère politique.